111-й сезон Вильнюсского старого театра и новый драматургический пейзаж

Прошедший театральный год в Вильнюсском старом театре был необычным – он ознаменовался не только символической датой 111-го сезона, но и смелыми художественными решениями и новшествами в менеджменте.

На протяжении всего года театр, некогда называвшийся Русским драматическим театром Литвы, приглашал зрителей как на свои репертуарные спектакли, так и на премьеры, дискуссии, концерты, международные проекты, а также провоцировал размышлять о своей театральной, художественной и исторической идентичности.

Старый театр завершил творческий 2024–2025 сезон 8 премьерами, отражающими направление, ориентированное на актуальный, философски ангажированный и эстетически разнообразный театр.

Векторы

Это был сезон, в котором женственность стала не периферийной темой, а драматургическим стержнем, пронизанным коллективной травмой и поиском личной идентичности.

Этот 111-й сезон – не только символический юбилей, но и концептуально ориентированный, политически и философски ангажированный художественный процесс. Темы женственности, идентичности, тела, травмы и памяти стали его главным вектором, но не как отдельные драматургические темы, а как оси глобальной структурной рефлексии.

На осенней пресс-конференции, представившей 111-й сезон, руководитель театра Аудронис Имбрасас рассказал о двух стратегических направлениях – мультидисциплинарности и многоязычии, а также о планах активно расширять формы театральной деятельности, сочетая драму, танец, оперу, цирк и другие области сценического искусства.

Руководитель подчеркнул, что новый репертуар Вильнюсского старого театра стремится привлечь не только литовскую, но и польскую, русскую и англоязычную аудиторию.

В своем 111-ом сезоне Старый театр доказал, что он является не только учреждением, но и жизненно важной частью культурной экосистемы Вильнюса – слушающей, реагирующей, создающей.

Этот сезон стал свидетельством способности театра быть актуальным, многослойным и открытым. Театр, который празднует не только свой юбилей, но и совместный опыт со зрителем.

Сезон перемен: новые имена, партнерство и аудитория

Сезон начался символично – 6 сентября состоялась премьера спектакля «Реформа» в постановке Агнюса Янкявичюса. Это один из первых спектаклей, свидетельствующих о тематике и эстетике нового сезона – остром социальном восприятии, современном взгляде и смелости высказываться на актуальные темы.

«Реформа» А. Янкявичюса – спектакль в стиле политического гротеска о трех провинциальных учительницах, которые пытаются спасти свою школу, привлекая в город беженцев. Спектакль «уже не вписывается в поле современных театральных тенденций – он живет в собственном герметичном мире и процветает в этой определенной реальности», – написала театральный критик Дайва Шабасявичене, отметив, что «в спектакле кипит жизнь из реальности и из новостей с различных порталов».

Уникальный ансамбль актрис Божены Александрович, Елены Рагимовой, Эдиты Гончаровой и Габриэле Баубайте создает не столько типажи, сколько глубокие, противоречивые портреты женщин, в которых пересекаются травма, ирония и желание действовать.

Стилю режиссёра присущи гротеск, прямое обращение к публике, деформированная пластика тела, которые здесь приобретают измерение критики местного менталитета и политического абсурда.

«Реформа» вызвала дискуссии и сомнения: почему мы смеёмся? И смеёмся ли мы над тем, что, возможно, следовало бы воспринимать всерьёз и даже сакрализировать?

25–27 октября театр приглашал зрителей на мероприятия, посвящённые 111-летию: научную конференцию, юбилейную выставку, встречи с театральным сообществом.

В это время спектакль «Розенкранц и Гильденстерн мертвы» отправился на гастроли во Францию, где был показан 9 раз в парижском театре «Théâtre Les Gémeaux, Scène Nationale – Sceaux».

С 1 сентября 2024 года по 15 июня 2025 года в Вильнюсском старом театре состоялось 324 мероприятия, которые посетили около 33 000 зрителей.

Всё чаще спектакли показывались и за пределами театра – в Тракай, Рокишкисе, Висагинасе, Шальчининкай, Алитусе.

По словам руководителя театра А. Имбрасаса, камерные формы позволяют быть более гибкими, планировать репертуар не только в зале, но и выезжать в регионы Восточной Литвы, где профессиональный театр представлен меньше.

Сезон ознаменовался 7 премьерами для взрослых и одной премьерой для детей.

Состоялось 3 концерта: «Endless Pleasure», «Клезмеры на Погулянке», «Сувениры для мамы. Моцарт», а также 4 фестивальных выступления.

Театр удостоился сразу 4 наград, среди которых – три премии за лучшую женскую роль в спектакле «Реформа», а также, конечно, Золотой сценический крест, врученный актёру Артуру Своробовичу за роль Калигулы. Спектакль «Калигула» также стал триумфатором фестиваля Com.Media.

Тишина, память и чувство вины

Ещё одна яркая премьера этого сезона – спектакль «Хорошая погода, если не слишком много думаешь», поставленный Кристиной Марией Кулинич, – фокусирует наше внимание на исторической памяти и внутренней тишине.

Диалог двух персонажей – учительницы и военного (актёры Эдита Гончарова и Довидас Стончюс) – открывает темы Каунасского гетто, Холокоста, депортаций.

В рецензии на этот спектакль Аушра Мартишюте-Линартене точно замечает: «Спектакль пытается заполнить пробелы в памяти и побуждает искать подлинные связи с нашим наследием, от которого, как от того кота, мы не хотим отказываться, но и выбросить его не можем».

Это чуткое, но концептуально крепкое произведение о сознательной памяти как форме ответственности.

Спектакль «Хорошая погода, если не слишком много думаешь» воплощает эстетику нового беспокойства. Это театр, который не провозглашает великие травмы, а говорит о повседневной тревоге, об ощущении, будто что-то постоянно ускользает из рук. Здесь человек не разрушается, но теряет глубину, становясь наблюдателем и потребителем своей жизни, чьи мысли слишком стремительны, а эмоции слишком слабы, чтобы удерживать напряжение внимания. Это спектакль о современном состоянии, в котором быть собой – значит постоянно убегать от себя.

Темам, затронутым в драматургии К. М. Кулинич, противопоставляется пьеса Эрика-Эммануэля Шмитта «Маленькие супружеские преступления», поставленная Раймундасом Банионисом. Пожалуй, самый зрительский спектакль прошлого сезона раскрывает интимное столкновение двух людей с иллюзиями, которые они сами создали. Смесь любви, упрёков, вины и нежности превращается здесь в своеобразный психологический детектив.

Дуэт актёров — Инги Машкариной и Александра Агаркова (Видмантаса Фиялкаускаса) – в спектакле «Маленькие супружеские преступления» приглашает прислушаться и услышать своих самых близких людей и переосмыслить близость как территорию борьбы и мира.

Перед зрителем раскрывается интерьер гостиной представителей среднего класса, в котором постепенно начинают раскрываться лабиринты душ персонажей. Актёрский дуэт создаёт живое, чуткое, постоянно меняющееся эмоциональное поле – это один из тех спектаклей, где мало действия, но много правды.

Театр, который исцеляет

Настоящим хитом сезона стал межжанровый проект Элзе Вишневските «Линдихопера» – спектакль, в котором сливаются музыка, танец и пение. Здесь персонажи не столько создают сюжет, сколько воплощают атмосферу – игривую, подвижную, полную радости жизни. Спектакль становится живым ритуалом – праздником, пробуждающим чувство общности и коллективную энергию. «Линдихопера» использует танец, музыку и юмор для сотворения праздника, который является не ностальгией, а активным способом вспомнить. Спектакли такого рода создают театр как пространство, в котором память становится не пассивной, а перформативной: повторяя что-то, мы вновь и вновь это открываем.

Весной иммерсивный спектакль Мантаса Янчяускаса «Далеко-далеко» пригласил зрителей побродить по театральным коридорам и лабиринтам собственного сознания. Звук в наушниках, световые сигналы и фрагменты текстов создают опыт, который можно увидеть, прожить и прочувствовать. Театральный критик Хельмутас Шабасявичюс в своей рецензии отметил, что хотя «каркас проекта не был до конца артикулирован, однако запомнились театральные пространства, погружённые во тьму, свет и полумрак, а также музыка, создающая метафизическое настроение».

Спектакль «Далеко-далеко» дождался особого внимания, войдя в программу «Ночи культуры». В ночном Вильнюсе, для тех, кто искал качественные художественные впечатления, этот спектакль предлагал путешествие по чужим жизням, а также задуматься о теле как о хранилище памяти, о себе, как зрителе, становясь свидетелем, а не просто наблюдателем.

Женственность как суть, а не как периферия

Темы идентичности и тела особенно ярко проявились в премьерных спектаклях «Части женщины» (реж. Уршуле Бартошевичюте) и «Час рыси» (реж. Артурас Арейма). Оба спектакля смело и неоднозначно говорят об уязвимости тела, памяти, раздробленности идентичности.

«Части женщины» исследуют анатомию травмы и дают голос историям, которые часто замалчивают.

Это спектакль о трудноуловимом превращении боли в речь. О слушании, слышании, тишине и значениях, возникающих из тишины. О том, как голос, обретая тело, становится криком: я была, я есть, я свидетельствую. «Части женщины» – это высказывание о женской идентичности, теле и языке. Визуально интенсивный и смелый спектакль говорит на феминистском языке о том, что часто остаётся не высказанным: телесные раны, ожидания, опыт сексуальности, материнства и старения. Актёрская игра – экспериментальная, коллажная, фрагментарная, а сам спектакль становится своего рода манифестом женского коллективного сознания.

Не менее запоминающейся премьерой стал спектакль Артураса Ареймы «Час рыси» – подлинный знак духовной зрелости режиссёра.

Театральный критик Ева Тумановичюте написала, что режиссёр «раскрывает уязвимость персонажей и красоту чистоты». Автор пьесы – шведский писатель Пер Улов Энквист, однако в спектакле драматургическое время и структура были существенно трансформированы. Это аллегория в двух действиях об институциях, психических расстройствах, эмпатии и вере.

На сцене Вильнюсского старого театра родился интенсивный и визуально выверенный спектакль о границах психического состояния, слоях памяти и хрупкой человеческой душе.

Ева Тумановичюте подчеркнула: «Это чуткий спектакль, раскрывающий уязвимость персонажей и красоту чистоты, он также свидетельствует о меняющемся Вильнюсском старом театре, который становится всё более открытым к разным языкам, театральным направлениям и экспериментам». Эта премьера раскрыла уникальную способность театра создавать атмосферу, подобную шепоту, который остаётся дольше, чем диалоги.

Приглашение переосмыслить реальность

С социально-политической точки зрения этот сезон Вильнюсского старого театра показателен: голос женщины на литовской сцене долгое время существовал как маргинальный, декоративный, символический.

В 111-м сезоне он стал семантическим центром. Это можно истолковать и как выражение институциональной саморефлексии, и как реакцию на всё ещё патриархальное общественное пространство.

Новые спектакли не имитируют «женский опыт», а создают его хореографию, текстуру, ритмику.

111-й сезон Старого театра – это попытка говорить о боли, памяти и теле не как о данности, а как о формах, которые постоянно пересматривают, переосмысливают и переформируют заново.

Это сезон, в котором театр не столько отображает реальность, сколько предлагает взглянуть на неё по-новому – не патриархально, не нормативно, а эмпатично, фрагментарно и смело.

111-й сезон Старого театра без сомнения формировал новый драматургический пейзаж, в котором женский опыт стал не темой, а точкой зрения. Во многих премьерах женский голос звучал как свидетельство, вопрос, сопротивление, а театр стал тем художественным учреждением, которое слушает, не перебивает и позволяет быть. И это – самый смелый феномен сезона.

111-й сезон был актуальным, ищущим, временами противоречивым, но всегда — живым. Это сезон, в котором слово встретилось с тишиной, трагедия – с гротеском, а зритель – с самим собой. Старый театр не стремился показать «жизнь как она есть», он предложил более сложный, многослойный взгляд. Это театр, который разрушает поверхностные нарративы и позволяет заглянуть туда, что скрывается под ними: тело, память, отношения, сомнения, превращающиеся в авторитеты. В конечном счёте, это сезон, в котором слово «реальность» звучало не как нечто данное, а как приглашение переосмыслить её заново.

Взгляд в будущее

Осенью 2025 года Вильнюсский старый театр совместно с партнёрами из Латвии – Лиепайским театром и продюсерской компанией „KatlZ Riga“ – представит спектакль «Пушечное мясо // Cannon Fodder // Lielgabala gaļa». Это антиутопическое, но опасно современное произведение о трёх женщинах, переживших коллективную катастрофу и пытающихся заново обрести человечность.

Драматургия спектакля отражает эпоху, сформированную войной, пандемией и системным насилием, в которой женское тело становится одновременно и метафорой и полем битвы. На сцене встречаются три разные фигуры – художница, куратор и муза.

Разные языки (литовский, латышский, русский, английский) здесь не только средство коммуникации, но и инструмент сопротивления.

Создатели спектакля – режиссёр Евгения Шерменёва, хореограф Анна Абалихина, сценограф Ева Каулина, художник по костюмам Сандра Страукайте и композитор София Зайцева – собрались в команду, чтобы поднять важные вопросы: как меняется человек, переживший травму?

Возможно ли «второе рождение» – как свободному, ответственному, любящему субъекту?

Этой осенью самых юных зрителей объединит спектакль режиссёра Оскара Выгановского «Слушаю, Ваше Величество!», созданный по сказке польского педагога и писателя Януша Корчака «Король Матиуш Первый». Режиссёр поставил перед собой амбициозную задачу – создать несколько версий спектакля: на литовском, русском, польском и украинском языках. В них оживёт трогательная история о ребёнке, которому досталась не только необычная корона, но и ответственность изменить мир.

Тем не менее самой интригующей премьерой осеннего сезона Старого театра обещает стать спектакль «Море-океан» режиссёра Йокубаса Бразиса, создаваемый по роману итальянского писателя Алессандро Барикко.

После высоко оценённой постановки пьесы Альбера Камю «Калигула», за которую режиссёра хвалили как критики, так и зрители за смелое художественное решение, Йокубас Бразис ступает на совершенно иную территорию. «Море-океан» – это тонкий, философский и многослойный материал, приглашающий не столько наблюдать за историей, сколько её проживать.

Романы Алессандро Барикко нередко ставятся на театральных сценах по всему миру – и не случайно: из-за ритмичной композиции, метафоричного текста и бережного отношения к тайне. Роман «Море-океан», опубликованный в 1993 году, называют кубистским шедевром литературы, в котором судьбы героев ломаются и соединяются, словно фрагменты картины.

Действие спектакля будет происходить в странной, отдалённой от мира прибрежной гостинице. Здесь собирается группа разных людей – учёный, художник, женщина, которую предали, девочка, боящаяся жить, и другие. Каждый из них приносит с собой свою боль, свои вопросы, свою тишину.

За гостиницей присматривают трое детей – загадочные фигуры, которые кажутся не столько персонажами, сколько символическими проводниками. А море – постоянный фон и метафора – становится неизбежностью, памятью, сердцем, сном. Оно здесь всё охватывает и заново переписывает человеческие жизни.

Эта премьера ознаменует следующий этап обновления Вильнюсского старого театра и доверие новой волне режиссёров.

«Море-океан» станет не только художественным, но и экзистенциальным событием – спектаклем, который пригласит зрителей остановиться, прислушаться, вместе с персонажами искать ответы на вопросы, которые мы порой боимся задать даже самим себе.

Ингрида Рагяльскене